Por qué hay gente viendo series y escuchando podcasts a 1,5x

"Dejad de escuchar podcasts a 1,5x". El artículo de The Verge con ese titular se publicó en 2015 y lamentaba que hubiera oyentes de podcasts que decidieran escucharlos a mayor velocidad de la que fueron concebidos y grabados originalmente. Buzzfeed los bautizó el año pasado como los "podfasters", reconociendo que es una práctica mucho más habitual de lo que puede parecer a simple vista. Y que no se restringe sólo al audio.

Quizás sorprenda, pero hay espectadores que ya no conciben no ver sus series favoritas a 1,5x (o hasta al doble de la velocidad original) y lectores que devoran los libros en el estilo del robot de 'Cortocircuito'. ¿Lo hacen sólo para ganar tiempo y poder ver, leer y escuchar más cosas? ¿Qué beneficios, y qué desventajas, acarrea esa práctica? ¿Estará el FOMO detrás de todo esto?

Quiénes son los "fasters"

Para la elaboración de este tema, preguntamos en Twitter si había alguien que tuviera por costumbre ver las series a 1,5x. La mayoría de las respuestas oscilaban entre las genuinamente sorprendidas y horrorizadas con las que reconocían haberlo hecho alguna vez, en casos excepcionales, cuando tuvieron que ver por obligación algo que no les interesaba. Ninguna de ellas daba crédito a que existieran personas para las que la velocidad 1,5x fuera lo normal.

Pero existen. El tuitero Araide Sensei reconoce que ve todas sus series a 2x porque "va demasiado lento para mí todo. Me aburro, me pongo nervioso, saco el móvil, me distraigo... Necesito un poco (bueno bastante, je) más de velocidad que me obligue a mantener la atención y que condense el entretenimiento". También hay quien probó alguna vez esta práctica y entiende que se utilice para estar al día de lo que se estrena o para hacerse una idea de cómo es la serie, como señala Carlos Sarmiento: "(sirve para) enterarte y ver cómo se enfoca el desarrollo dándole una cantidad de tiempo menor".

'The Walking Dead' es una serie que bastantes de las personas con las que hemos hablado para este reportaje reconocen que ven a 1,5x.

En teoría, a 1,5x, las voces no se distorsionan tanto y los diálogos se comprimen lo justo para poder entenderlos sin perder información, pero los detractores de esta costumbre aseguran que se altera la intención de las escenas y sí que hay cosas que estos espectadores "acelerados" no ven por culpa de esa mayor velocidad. ¿Es así? "No", afirma Juan, desarrollador informático de profesión, que añade: "aunque al poco me di cuenta que usando subtítulos me perdía menos cosas y, por supuesto, si había algo que no pillaba, le daba para atrás y listo. Que lo viera a 1,5x no significaba que quisiera perderme algo". Araide Sensei va un poco más allá, porque reconoce que "si lo viese a velocidad normal sí que me perdería cosas, porque desconecto".

¿Por qué se decide ver las series, y hasta películas, de esta manera? La explicación más común siempre es la misma, y se divide en dos partes: para ahorrar tiempo y para no dejar a medias algo que ya has empezado. Taylah lo resume de esta manera:

Por lo general es por dos cosas: falta de tiempo (si puedo ver un episodio de 45 minutos en 30 y no perderme nada sin que el diálogo se vea afectado, pues fantástico) y 2), cuando sé por otras personas que el episodio que estoy viendo no es de los mejores, y si la serie ha llegado a un momento bajo y luego repunta, pero no quiero saltarme episodios, por completista.

Es un razonamiento que también apunta Javi C., y que es el más extendido entre este tipo de espectadores: "solo las que están en una fase en la que las veo más por completar la serie, que porque me engancha en sí. 1,5x es la velocidad donde no te pierdes nada, pero no la pondrías con una serie que disfrutas (porque se te acaba antes)".

A veces, es un comportamiento que se traslada desde YouTube. Es decir, varias de las personas que nos contaron su experiencia reconocían que sólo veían vídeo a mayor velocidad en YouTube. Y establecían una separación clara entre esos vídeos y las series y películas. "La narrativa de una historia, como una película o un libro, depende del ritmo y del diálogo, de lo que se dice y, sobre todo, cómo. Con una variación de la velocidad se altera completamente la narrativa que pretende el creador", explica Isaac.

Los podcasts acelerados

Aunque se puedan organizar aninmados debates sobre si ver las series a 1,5x es lo adecuado o no, todavía no es una práctica tan extendida como entre los podcasts. Y el debate aún no ha llegado a las mismas cotas que en Estados Unidos. Slate publicaba en 2016 una defensa de ese modo de escucha diciendo "muchos escuchamos podcasts más rápido de lo normal. ¡Únete a nosotros!", y se extendía después contando que se hacía por una cuestión de tiempo y de la gran cantidad de podcasts interesantes que se publican diariamente. Aisha Harris, la autora de ese texto, tenía también su propio podcast y afirmaba que escucharlo todo a 1,5x la convertía en una consumidora más atenta.

Muchos de las personas que se sorprendieron cuando les preguntamos si veían las series a mayor velocidad afirmaban, sin embargo, que sí trasladaban esa práctica a los podcasts, y no pocos habían comenzado a utilizarla para tener una primera impresión de programas que querían seguir, para ver si merecían la pena. "Empecé porque estaba buscando podcasts que escuchar. En el texto puedes echar un vistazo en diagonal, decidir en segundos si te lo vas a leer o no. Con el audio, claro, es más complicado. Inviertes más, son minutos al menos antes de decidir si ese podcast es para ti", explica Antonio Ortiz. "Por eso, para probar nuevos podcasts, les daba a 1,5 x para entender de qué iban antes de decidir si me suscribía. Luego me costaba volver a 1x, así que me he terminado quedando en 1,2x o 1,3x".

Quienes ven o escuchan a 1,5x alegan que les permite ahorra tiempo para seguir todas las series o podcasts que les interesan

Hasta los propios podcasters utilizan la opción de reproducción a 1,2x o 1,5x que dan bastantes reproductores para mantenerse al día. Roberto Pastor, del podcast Kafelog, señala que "yo escucho podcasts a 1,5x simplemente por el hecho de quitarme podcasts acumulados. Lo prefiero a tener que borrarlos sin escucharlos. Si tengo que llegar a ese extremo, lo que hago es desuscribirme del podcast". Es consciente de que tienen oyentes que los escuchan a mayor velocidad, pero no cree que afecte demasiado a la experiencia o a la comprensión de lo que cuentan. Si lo hace, es de una manera mínima: "en nuestro caso, al ser un podcast de humor en el que hablamos bastante rápido, es muy posible que se pierda alguna broma, pero es algo concreto a nuestro caso".

'El gran apagón' es un podcast de ficción.

En España, es más habitual que los podcasts sean más tipo magacines o tertulias entre los presentadores, pero también se hace ficción. Ahí, sin embargo, es donde Antonio Ortiz pone el límite a la hora de dar más velocidad a la reproducción: "sólo lo hice con alguno de Podium y es cierto que ahí puede penalizar la experiencia, en tanto en cuanto la narración intenta crear una atmósfera, un clima... Quizás por eso no me he acabado enganchando a los podcasts de ficción".

La tecnología facilita que podamos ver series y escuchar podcasts a mayor velocidad. También existe software que nos ayuda a leer más rápido, aunque esta práctica parece estar más centrada en estudiantes que en aficionados a la lectura. "Lo hacía hace años, en la carrera... No eran los libros en sí, sino mis apuntes. Los pasaba al PC y con un programa ponía la velocidad y me pasaban las letras a toda leche por la pantalla. Máxima concentración para leer, y era ideal de la vida para repasarlo todo", cuenta Aldara.

La otra cara de la moneda: el FOMO

Los "fasters" están ya muy acostumbrados a este consumo a mayor velocidad de la normal y les cuesta volver al 1x. Todo les parece lento y les cuesta prestar atención. "Me impaciento mucho, quizás tenga que ver el ritmo de la web, de internet y el móvil, con mucha notificación y cambio de contexto. Como si mi cerebro fuese ya un poco yonki de eso", explica Antonio Ortiz: "No es que tenga mucha base para afirmarlo más allá de la impresión personal, pero puede ser que no sea algo circunscrito sólo a la escucha de podcasts".

Desde finales de los 90, hay estudios que intentan discernir cómo afectan a nuestro cerebro la velocidad a la que se mueve internet y el modo en el que interaccionamos allí con otras personas. Linda Stone, investigadora de la revolución digital que empezó trabajando en Apple a finales de los 80, acuñó el término "atención continua parcial" para explicar cómo nos concentramos actualmente:

"Prestar una atención continua parcial es prestar atención parcialmente... de forma continua. Está motivada por el deseo de ser un nodo vivo en la red. Dicho de otro modo, queremos conectar y estar conectados. Queremos buscar de forma efectiva la oportunidad y optimizar las mejores oportunidades, actividades y contactos en cualquier momento. Estar ocupado, estar conectado es estar vivo, ser reconocido y ser alguien que importa".

Vivir constantemente conectados empieza a tener sus contrapartidas psicológicas.

Stone afirma que ese comportamiento responde también a un esfuerzo por no perderse nada, que es donde entra en juego otro término muy reciente: FOMO. Son las siglas en inglés de Fear Of Missing Out, miedo a estar perdiéndose algo, y es un síndrome que los psicólogos han identificado en los comportamientos en las redes sociales. Más en concreto, es "un trastorno producido por el avance de la tecnología y la cantidad de opciones que se nos presentan a las personas hoy en día. La causa de este fenómeno es estar continuamente conectados a la red".

El modo en el que las nuevas tecnologías afectan a nuestras interacciones sociales y a nuestro cerebro es un campo en el que están realizándose actualmente todo tipo de estudios, incluso sobre la psicología de los comentarios online. ¿Llegará a haberlos sobre los visionados de series a 1,5x?

Foto | Serge Seva, MIKI Yoshihito, BuzzFarmers

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En esta ciudad están llenando las paredes de ciencia y el resultado está siendo realmente curioso

Hay más de cien poemas pintados en las calles de Leiden, Países Bajos. Shakespeare, Pesoa, Borges, Octavio Paz, Rilke o Quevedo llenan las paredes, las plazas y las callejas de esta ciudad neerlandesa. Y algo más.

Un día, a Sense Jan van der Molen e Ivo van Vulpen, dos físicos de la Universidad de la ciudad, se les ocurrió una idea: que la ciencia también es cultura. Más aún, que la ciencia también puede ser arrebatadamente bella: las fórmulas científicas pueden llegar a sentirse aunque no las entendamos completamente. E inspirados por los poemas, comenzaron a pintar fórmulas históricas en las calles de la ciudad.

Ecuaciones del campo de Einstein

Las ecuaciones del campo son un conjunto de diez fórmulas que publicó Albert Einstein en 1915 para describir la forma en que la materia altera el espacio-tiempo. Es decir, se trata de la reconceptualización relativista de la gravedad, una de las ideas físicas más importantes de la historia de la humanidad. Y, además, es una de las imágenes más bellas.

Ley de Snell

La ley de Snell es la fórmula que explica por qué una pajita en un vaso de agua parece "rota". Es decir, es la ecuación que explica los fenómenos de refracción de la luz (o de cualquier otra onda) cuando atraviesa una superficie de separación entre dos medios con distinta velocidad de propagación. Su descubridor, Snel, fue matemático en la Universidad de la ciudad.

Fuerza de Lorentz

La fuerza de Lorentz es la fuerza ejercida por el campo electromagnético que recibe una partícula cargada o una corriente eléctrica. Es decir, es lo que hace que la partícula o la corriente se desvíen de su trayectoria original. Lorentz también fue profesor de la Universidad de Leiden.

Constantes de Oort

Jan Oort describió el movimiento de la Vía Láctea en un momento en que no sabíamos si rotaba o no y sus ideas generaron los primeros indicios de una búsqueda que ha tenido entretenidos a los astrónomos desde entonces: la materia oscura.

Contracción de Lorentz

Otras de mis imágenes favoritos. La contracción de Lorentz es un efecto relativista que consiste en la contracción de la longitud de un cuerpo a medida que su velocidad se acerca a la velocidad de la luz. Fue una de las ideas fundamentales que usó Einstein en el desarrollo de su teoría especial de la relatividad.

El espín

El espín es el momento angular intrínseco asociado a una partícula y, ya de paso, uno de los conceptos físicos más difíciles de entender. Francisco Villatoro tiene un vídeo divulgativo en el que esto se ve perfectamente. Esta imagen quizás sea menos espectacular que el resto, pero deja perfectamente clara la idea central del proyecto: que podemos disfrutar de la ciencia aunque no la entendamos por completo.

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La leyenda de uno de los mayores (y mejores) fabricantes de ratones de la historia: Microsoft

El ratón lleva décadas siendo uno de los elementos fundamentales de la informática. Durante este tiempo ha sufrido muchas transformaciones, y Microsoft es uno de los fabricantes que ha estrado detrás de algunas de las más importantes.

De hecho, el primer dispositivo de hardware fabricado nunca por la empresa fundada por Paul Allen y Bill Gates fue precisamente un ratón en abril de 1975. Entre los modelos que han ido fabricando desde entonces nos encontramos desde el primer ratón ergonómico hasta el revolucionario IntelliMouse Explorer, el primero que abandonó las clásicas bolas o trackball para sustituirlas por tecnología óptica.

Todo empezó con el "monstruo de los ojos verdes", un ratón que llegó al mercado junto a la aplicación Microsoft Word en 1983, el mismo año que Apple también presentaba su primer ratón. Sin embargo el proyecto nació un año antes, cuando en 1982 la empresa decidió crear una nueva división llamada Microsoft Hardware.

El monstruo de los ojos verdes

El primer ratón de Microsoft salió al mercado el dos de mayo de 1983, sólo cuatro meses después de que Apple presentase el ordenador Lisa con el que revolucionó la informática gracias precisamente a incluir un ratón basado en el desarrollo del centro de investigación Xerox PARC. Este centro perteneciente a la empresa Xerox llevaba años trabajando en esta tecnología, y había presentado el primer prototipo en 1968.

A diferencia de los ratones de Apple y Xerox PARC, que tenían uno y tres botones respectivamente, el Microsoft Mouse apostaba por tener dos botones. Estos tenían un color verde que destacaba en su cuerpo blanco, razón por la que acabó recibiendo el sobrenombre de Ratón (o directamente "Monstruo") de ojos verdes.

El Microsoft Mouse requería de un ordenador IBM con 64 K de RAM y una interfaz BUS para conectarlo, aunque posteriormente se adaptó a los conectores DE-9 y DB-25. Aunque había sido desarrollado por Microsoft, lo producía la empresa japonesa Alps, y su movimiento funcionaba gracias a una pesada bola metálica con la que se giraban los pequeños rodillos para las coordenadas X e Y. El precio del ratón y la tarjeta BUS era de 195 dólares.

Sobre cómo desarrolló Microsoft su ratón hay algunas especulaciones, aunque hay pistas que apuntan a que podría haber colaborado con la misma empresa Xerox que ayudó a Apple con el suyo. Esto es así porque hace unos años fue subastado un prototipo de 1981 con el logo de Xerox, el cual ya presentaba el mismo factor forma con sus característicos dos botones.

Estos dos botones, por cierto, ayudaban a que los programas de Microsoft pudieran incluir un menú contextual, el típico menú de click derecho que sigue sobreviviendo en nuestros días. En 1985 se lanzó el Microsoft Mouse 5.0 o "de ojos grises", que repetía el diseño de si predecesor pero cambiaba de color a las teclas, actualizándolo de paso para hacerlo compatible con el serial PS/2.

Microsoft siguió haciendo evolucionar sus ratones. En 1987 presentaba un nuevo modelo, el mítico "Dove Bar", con el que los botones del ratón evolucionaron para tener un aspecto más plano e integrado al cuerpo que los anteriores, con el izquierdo ligeramente más grande que el derecho.

En 1998 Microsoft anunciaba que su división de hardware había conseguido superar el primer millón de ratones vendidos, una cifra que se dobló para llegar a los dos millones sólo un año después. En el 91 le daban la vuelta al concepto de ratón con uno que tenía la rueda en la parte superior para mover el puntero con el BallPoint Mouse, pero su próximo gran éxito no llegó hasta dos años después.

Ergonomía y ratones para niños

En 1993, y después de dos años y diez millones de dólares invertidos en entender los conceptos de ergonomía, Microsoft lanza al mercado el primer ratón ergonómico de la historia. Le llamaron Microsoft Mouse 2.0, aunque en el 85 ya habían lanzado uno llamado 5.0, y destacaba por su aspecto redondeado para adaptarse a la palma de la mano. Por su similitud con el órgano, este aspecto le hizo ganar el sobrenombre de "kidney" o riñón.

Aunque el lanzamiento fue una pesadilla para los zurdos por estar claramente diseñado para diestros, su éxito fue rotundo, y un año después ya habían vendido cinco millones de unidades. Ese 1994 Microsoft llevó su filosofía ergonómica también a sus nuevos teclados Natural Keyboard, que estrenaron un diseño partido que siguen manteniendo con modelos actuales.

En 1995 volvieron a experimentar lanzando el ratón Microsoft EasyBall. Se trataba del primero diseñado para los niños de entre dos y seis años, y obtuvo varios premios por su diseño y las investigaciones que había realizado la empresa para adaptarse a los usuarios.

El ratón tenía unas dimensiones gigantescas, con una enorme bola amarilla en el centro que los niños podían girar para mover el puntero. Esta bola hacía que el ratón en sí no se tuviera que mover, algo bueno para que los niños no acabasen tirándolo al suelo, y contaba con un único botón para hacer click.

IntelliMouse y la llegada del ratón óptico

Heredando las líneas de diseño ergonómico del Microsoft Mouse 2.0, la empresa estadounidense lanzó en 1996 una nueva familia de ratones. Fue su exitosa saga IntelliMouse, cuyo primer modelo introdujo la novedad de la rueda de scroll entre sus dos botones. Con ella, los usuarios podían dejar de utilizar las barras de las aplicaciones para desplazarse por el contenido, y por primera vez podían hacer zoom sólo con pulsar el botón Control mientras mueven la rueda del ratón.

En 1997 continuaron explorando nuevas posibilidades, y lanzaron el IntelliMouse TrackBall. Se trató de un ratón peculiar que recuperaba la bola de desplazamiento en la parte superior como hicieron años antes con el BallPoint Mouse, de manera que se podía mover el cursor con un dedo en vez de desplazando la mano. Un año después, en 1998, llegaba el Microsoft IntelliMouse Pro, un rediseño del IntelliMouse original.

El 14 de abril 1999, Microsoft presentó en la COMDEX el IntelliMouse Explorer, el primer ratón óptico comercial. Utilizaba la tecnología óptica IntelliEye, una respuesta al primer sensor óptico multisuperficie LED desarrollado por la empresa Agilent ese mismo año, y fue el primero en sustituir las bolas por un láser LED para mover el puntero del ratón.

Microsoft se refirió a él como "el avance tecnológico y de diseño más radical del ratón" desde los años 60, y llegó definitivamente al mercado en octubre de 1999. El concepto de ratones ópticos ya había sido explorado por empresas como Xerox y Mouse Systems Corporation en los años ochenta, aunque nunca llegó a comercializarse.

La familia IntelliMouse siguió evolucionando durante los siguientes años, mejorando su precisión y añadiendo nuevas características. En 2003 llegó el IntelliMouse Explorer 2.0, que incluyó una variante inalámbrica llamada IntelliMouse Explorer for Bluetooth. A finales de ese mismo año llegó el IntelliMouse 3.0, el último de la saga antes de que fuera descontinuada.

El legado de Microsoft

Cada cierto tiempo llegan al mercado dispositivos que se convierten en símbolos que trascienden a sus características para convertirse en guías que marcan el camino del diseño y la innovación. Pensando en este concepto nos vienen a la mente dispositivos modernos como el iPhone, pero en su día, los IntelliMouse de Microsoft también estuvieron en este selecto grupo.

Microsoft ha seguido fabricando ratones y teclados desde entonces, aunque ninguno ha conseguido trascender tanto como lo hicieron los IntelliMouse. Tanto es así que en 2017 relanzaron la marca con un nuevo IntelliMouse Explorer, aunque algunos fallos en sus sensores impidieron que fuera tan revolucionario como sus predecesores.

Sin embargo, esto no empaña una trayectoria que hace de Microsoft uno de los mayores y mejores fabricantes de ratones de la historia. Además, la empresa sigue intentando arriesgar con nuevas líneas de diseño como la de su Arc Touch de 2010 o la más reciente línea de Surface Mouse, que precisamente intenta aprovechar el impulso de una gama Surface que está consiguiendo relanzar la división de hardware de la empresa.

Imagen de portada | Raimond Spekking
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Huawei P20 Pro con regalo o un Xiaomi Mi NoteBook Pro por 650 euros: ofertas de Gangas de Viernes Santo

Ya estés en la playa, montaña o ciudad, trabajando o de merecido descanso, nuestra selección de ofertas, descuentos y gangas para comprar tecnología por Internet al mejor precio no cesa ni un Viernes Santo. Toma nota porque si quieres renovar portátil o smartphones, hay alguna oferta muy interesante.

Smartphones, tablets y accesorios

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Consolas, videojuegos y portátiles

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• Monitor gaming 2K Dell con descuento. Si tienes pensado jugar con un PC y posees una tarjeta gráfica de nivel, seguramente estés buscando un monitor NVIDIA G-Sync. El Dell S Series de 24 pulgadas es compatible con dicha tecnología de sincronización entre panel y tarjeta gráfica, ofrece resolución de 2560 x 1440 píxeles y de brillo no anda nada mal: 350 nits. Ojo que si buscas fidelidad, usa panel TN. Cuesta menos de 360 euros pero todavía tienes que esperar algunos días para que esté disponible.

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• Microsoft Surface Pro con Core i5 rebajado. Para los socios de la Fnac, el modelo de Surface Pro que incluye procesador Core i5, 4 GB de memoria RAM y un SSD de 128 GB, está rebajado hasta los 899 euros.

• Xbox One X con el juego Sea of Thieves con descuento. En Mediamark, la consola más potente Xbox One X, con juego 4K, y el título Sea of Thieves, está de oferta todavía por 489 euros.

• Tarjeta externa de sonido Creative Sound Blaster. Si para tus juegos estás buscando una tarjeta de sonido de calidad, una opción es el modelo de Creative, externo, con salida 7.1, amplificador para cascos y un precio durante el día de hoy de 116 euros.

• Juegos LEGO de remate final en Steam. Con un 60% de descuento de media en los juegos de LEGO, es una oportunidad de completar la colección o por fin dar el salto a estos plataformas que enganchan a niños y mayores.

Televisores, vídeo, sonido y hogar

• Televisor QLED de Samsung de 49 pulgadas. La tecnología más avanzada LED de Samsung está plasmada en el televisor QLED que ya probamos. El modelo de 49 pulgadas está de oferta en Worten, donde nos cuesta hasta el 1 de abril 1399 euros.

• Cámara de acción GoPro Hero6 Black con 50 euros de descuento. La mejor cámara de acción tiene un precio con descuento para que por fin te hagas con la tuya. En Amazon está por 379 euros.

• Chromecast Ultra con descuento. No es una rebaja muy importante, pero los 69 euros que cuesta en Mediamark el Chromcast Ultra es una buena excusa para usar esos 10 euros de descuento respecto a su precio oficial para comprar alguna película en 4K y disfrutar de esa calidad de reproducción en este streamer de Google.

• Cámara sin espejo Olympus OMD E-M10 Mark III con objetivo. Un pack muy interesante si te gusta la fotografía y siente predilección por el diseño retro y las cámaras sin espejo, es el que por 569 euros nos ofrecen estos días en Fnac: el modelo Olympus OMD E-M10 Mark III con el objetivo 14-42 mm II R.

• Bombilla LED WiFi con gran descuento. La marca Haofy, que tiene una bombilla Led Wifi compatible con Google Home en Amazon, nos puede salir casi regalada (menos de 9 euros) si aplicaciones a su descuento ya activo un cupón de 11 euros con el código T22VVR64.

• Televisor 4K Samsung de 55 pulgadas. Las medidas más buscadas, con el panel 4K de referencia en la gama de entrada y un diseño atractivo, son la combinación que os dejamos para acabar este gangas de hoy: Samsung UE55MU6125 por menos de 600 euros.

¿Más ofertas?

Si tras todo esto nuestra sección de los viernes se te queda corta, puedes estar al día y en cada momento informado de las principales ofertas en los cazando gangas de Xataka Móvil, Xataka Android, Vida Extra, Espinof y Applesfera, así como con nuestros compañeros de Compradicción. Puedes ver todas las gangas que publican en Twitter y Facebook, e incluso suscribirte a sus avisos vía Telegram.

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'Westworld' nos muestra el tráiler final de su segunda temporada: llego la hora de ajustar las cuentas

Androides humanoides en un parque futurista con temática del 'Lejano Oeste'. Así nos vendía HBO la serie de televisión con la que pensaban suceder a 'Juego de Tronos' y la verdad, es que no les ha ido nada mal. 'Westworld' fue todo un fenómeno durante su primera temporada en 2016 con 11,7 millones de espectadores tan sólo en los Estados Unidos.

Gracias a esto, 'Westworld' finalmente está de regreso después de una larga espera, que también nos servirá para olvidarnos un poco de 'Juego de Tronos', cuya última temporada se pospuso hasta 2019. HBO tiene todo listo para el estreno de 'Westworld' este 22 de abril y nos presentan su tráiler final.

Sangre y la rebelión de los robots

• Tráiler original.

• Tráiler doblado al español.

Bajo una épica versión orquestal de 'Heart-Shaped Box' de Nirvana, este tráiler final de la segunda temporada de 'Westworld' nos muestra pequeñas pistas de los cabos sueltos que dejó el final de la primera temporada. Pero lo más interesante es que aparece una fugaz mirada a 'Shogunworld', el parque hermano que al parecer tendrá mayor relevancia para esta nueva temporada.

La a veces confusa e increíble serie de Jonathan Nolan y Lisa Joy contará nuevamente con 10 capítulos de una hora y se estrenará en Estados Unidos y Latinoamérica el próximo 22 de abril, mientras que en España será el 23 de abril.

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Qué hubiera pasado con los 80 (y más allá) si Steven Spielberg no hubiera nacido

—Diga su nombre completo y profesión para que conste.

—¿Por qué? Es un nombre, sin más.

—Protocolo periodístico.

—Bueno, muy bien. Me llamo George.

—Apellido.

—George Lucas. Me llamo George Lucas.

—¿Y profesión?

—Director de cine independiente. Actualmente arruinado director de cine independiente.

—¿Pero no es usted el magnate creador de un imperio mediático llamado ‘Star wars’?

—… ¿Cómo sabe lo de ‘Star Wars’? Solo Francis, Martin, Brian, Hal y el resto de chicos vieron ese guion de mierda antes de que lo quemara.

—¿Y Steven? ¿Qué dijo Steven?

—¿Steven… qué?

Vamos a contar un cuento. Hoy, por estas breves (quizás no tan breves) líneas que lee usted en Xataka, vamos a viajar a un universo alternativo. Uno más triste, en muchos sentidos. Aunque, también, uno más honesto en otros muchos. Desde luego, en este universo, mucha gente no es quien fue durante esa década mágica que no podemos dejar de manosear: los años 80. A veces, para mejor. Y a veces…

Pero no nos adelantemos en la historia. Hay que empezar por el principio, por lo realmente importante. En este mundo, al que hemos viajado en el visor de realidad virtual más poderoso que existe y existirá, el que viene de serie con cada nacimiento, hay un individuo en concreto que ha sido borrado de la existencia. Hablamos, por supuesto, de Steven Spielberg.

En cuestión de días (apúnteselo: jueves 29 de febrero), Spielberg volverá a ser, probablemente por última vez, el mismo mago que iluminó los ochenta con el fuego de otro mundo. El que demostró que sí, que era posible una película de aventuras que hundiera el pie en el acelerador durante 120 minutos. El que se inventó el concepto más capitalizado por Hollywood en las últimas tres décadas: la set-piécè; es decir, las gigantescas secuencias de acción encadenada cual atracción de montaña rusa que estructuran las superproducciones del presente. El que demostró que se podía aunar lo mejor del melodrama con la imaginería más desbocada. El que hechizó a audiencias de todo el mundo con un género hasta entonces de nicho, el fantástico.

Ese Spielberg, que llevaba desaparecido en combate a pesar del tímido guiño a sí mismo en la estupenda ‘Tintín’, quiere dar el do de pecho superados los setenta años con ‘Ready Player One’, una apuesta imposible con la que Spielberg debe remontar dos maldiciones de la cultura pop: la realidad virtual y las películas de videojuegos.

Por eso este es el momento perfecto para hacerse una pregunta que les sonará de entrada a clickbait pero que a poco que se evalúe con un mínimo de hondura se torna fascinante: ¿Qué hubiera pasado con el mundo del cine, y en realidad muchos más, si no existiera Spielberg?

Pues hay que empezar no por Steve, si no por uno de sus mejores amigos. George. George Lucas. Y, evidentemente, ‘Star Wars’. Es harto conocida la anécdota entre los cinéfilos, la recuerda el propio Lucas por ejemplo en este artículo de ‘Businnes Insider’, de la apuesta que convirtió a Spielberg en millonario. Situémonos. 1975. Spielberg, en pleno rodaje de ‘Encuentros en la Tercera Fase’ —recordemos, el Spielberg que ya había filmado una vez la película más taquillera de todos los tiempos: ‘Tiburón’; repetiría el récord un par de veces más—; George Lucas, en pleno rodaje de ‘Star Wars. Episodio IV. Una nueva esperanza’.

George visita a Steven y se queda abrumado por lo que está haciendo su colega. Chafado por la comparación, se queja a Steven del desastre que él se trae entre manos y de la maravilla que va a lograr su amigo. Steven, muy tranquilo, le dice que ‘Star Wars’ va a ser el mayor fenómeno cinematográfico de la historia. George no se lo cree. Así que Steven, imagino que un poquito harto si tal cosa es posible en el talante bonachón del cineasta, decide hacer una apuesta. Si ‘Encuentros en la tercera fase’ le gana en taquilla a ‘Star Wars’, George se lleva el 2,5% de los beneficios de lo recaudado. Si sucede lo contrario, el beneficiado de la diferencia será Spielberg.

¿Imaginan quién ganó?

Adiós, blockbuster, adiós

Pero más allá de esta anécdota, late otro asunto menos comentado que es el del constante soporte emocional que supuso Spielberg para George Lucas durante la concepción, rodaje y lanzamiento de ‘Star Wars’. George tenía el alma partida en dos, y de cada uno de esos pedazos tiroteaba un amigo. Del George artístico, arriesgado, brillante y con su puntillo de pedantería, tiraba Francis Ford Coppola. Del George comerciante, trilero, fantasioso y soñador tiraba Steven Spielberg. Era una lucha que dejaba exhausto al cineasta y que tuvo muchas idas y venidas.

Antes de resucitar el proyecto de ‘Star Wars’, George Lucas se pasó unos años intentando levantar otro proyecto. Nada menos que ‘Apocalypse Now’, que acabaría convirtiendo en su mejor película su colega Francis Ford Coppola. En el libro ‘George Lucas. Una vida’ (Reservoir Books, 2017), Brian Jay Jones narra cómo John Milius y George Lucas desarrollaron una versión de ‘Apocalypse Now’ oscura y de espíritu indie que pretendía reflejar de manera realista el conflicto, rodándolo cuando la guerra todavía estaba en marcha, en 1970. A la vez, Lucas tenía su pasión por los seriales de corte fantástico de su infancia, y especialmente por ‘Flash Gordon’, que incluso se llegó a plantear adaptar, su gran inspiración para ‘Star Wars’.

En esta disyuntiva y cada vez que se juntaba con los rebeldes del Nuevo Hollywood —esencialmente: Brian de Palma, Francis Ford Coppola, Hal Barwood, Martin Scorsese, George Lucas y Steven Spielberg—, Lucas recibía la mofa de sus compañeros más artísticos respecto a ‘Star Wars’, especialmente de Coppola, y el apoyo incondicional de Spielberg. Al final, pesó más Steven que Francis y Lucas se decantó por ‘Star Wars’.

Coppola llegó a cuantificar, en una entrevista a Vanity Fair, la filmografía de Lucas ‘asesinada’ por ‘Star Wars’: “George Lucas realmente es un genio, pero creo que es una pena que lo absorbiera tanto [‘Star Wars’]. Espero que lo que voy a decir no ofenda a George, pero lo cierto es que ‘Star Wars’ nos costó 10 películas suyas que hubieran sido maravillosas”.

Pero recordemos en qué mundo estamos en este artículo. Habitamos una dimensión en la que Spielberg no existe. Así que todo ese apoyo de Steven a George se diluyó y el trabajo de acoso y derribo de Coppola dio sus frutos. George Lucas nunca rodó ‘Star Wars’. Y sí, parió diez extraños, atrevidos y experimentales largometrajes con los que se labró una firma artística de prestigio. Pero, ¿cuáles fueron las consecuencias para la historia del cine? En una palabra, brutales.

En otro artículo para esta casa, una reflexión sobre si los 90 podrían ser los nuevos 80, ya apunté que los 80 que recordamos son luminosos solo por Spielberg. Las otras grandes fuerzas narrativas que obraron su influjo en esa década, los Ridley Scott, Stephen King, Alan Moore o James Cameron, apuntaban a una senda mucho más tenebrosa. Spielberg fue el contrapeso luminoso a una década sombría en la que aún coleaban los efectos de Vietnam y el fracaso de la contracultura por herir de muerte al capitalismo. Pero también fue la tabla de salvación a un Hollywood desnortado que literalmente ya no sabía cómo hacer dinero.

Vuelta a Coppola, a una entrevista de 2007 que releo no pocas veces, por más que ahora su autor, el inefable fundador de ‘Ain’t It Cool’ Harry Knowles, haya quedado justamente borrado del mapa por las numerosas denuncias de acoso sexual esgrimidas contra su persona. Aunque la persona nos merezca desprecio y a pesar de la ingente cantidad de erratas y cabos sueltos que deja la obsesiva trascripción de la charla, es esta una entrevista a atesorar. Y me voy a detener en un tramo muy concreto para explicar, como dicen los yanquis, the bigger picture. Es decir, los efectos macro de borrar a Spielberg y, siguiendo el hilo de nuestra reflexión, a ‘Star Wars’ del mapa.

Harry Knowles: ¿Qué pasaba en los setenta para que las películas que hacías, y las que hacían Friedkin y Bogdanovich y Scorsese… Ese grupo original de cineastas setenteros. ¿Qué hay tan diferente en la industria del hoy si la comparamos con la de entonces?

Coppola: Bueno, pienso que aquellos tiempos, estaban, en algún sentido, todavía dirigidos por los grandes hombres de negocios del pasado: los Jack Warners y Louis B. Mayers… Eran verdaderos hombres de negocios, al estilo de Harvey (Weinstein), que es vulgar y es un showman [maravilloso cómo Coppola caló, sin saberlo, al hombre más odiado del Hollywood presente].

Los estudios de entonces no sabían qué hacer. El negocio estaba cambiando. De pronto Arthur Penn rueda ‘Bonnie & Clyde’ y estalla una tremenda tormenta de cineastas diciendo “dejadnos hacer esto o aquello”. Entonces ‘Cowboy de medianoche’ logra rodarse y de pronto hay la oportunidad de filmar cosas que merecen la pena, Kubrick está en pleno apogeo y, ya sabes, pasaron accidentes como mi película ‘El padrino’. Esa película debería haber sido una película de estudio más, pero logré de alguna manera logré hacerla mía aunque ellos no querían.

Pude rodar ‘La conversación’ solo porque había dirigido ‘El padrino’. Entonces, hubo esta ventana de oportunidad abierta porque no sabían qué hacer. Ahora los estudios saben qué hacer. Así que ruedan ‘Spider-Man’ o ‘Piratas del Caribe’ mediante una fórmula que conocen. Por eso ya no hacen drama y solo tienen interés en las franquicias. Este es el negocio en el que están y el dinero este verano va a venir de tres estrenos: ‘Spider-Man’, ‘Piratas del Caribe’ y ‘Shrek’. Tienen lo que quieren y saben lo que hacer. En los 70… no sabían qué hacer.

En los 70 no sabían lo que hacer. Pero, ¿cómo llegó Hollywood a saber lo que hacer? La historiografía es unánime: Spielberg, Spielberg y Lucas. Hace semanas les presentamos el verdadero negocio de Hollywood usando como modelo a una de sus sagas más lucrativas, Harry Potter. En ese artículo les desvelábamos que la industria de los pijamas, las tazas y los muñecos, el merchandising vaya, multiplica por muchas veces lo que los estudios recaudan por la vía de las butacas. Es más, nos hacíamos eco de una serie de investigaciones académicas que concluyen que las superproducciones modernas no son más que tráilers de dos horas para vender un producto, los susodichos pijamas, tazas y muñecos.

Pero ese modelo arranca con la dupla George Lucas / Steven Spielberg. Cada uno proporcionó un elemento de esa fórmula mágica para los ejecutivos a la que hacía referencia Coppola. Lucas les dio el modelo de negocio, el ejemplo de libro por el que guiarse a partir de entonces. Este es ‘Star Wars’, saga virtualmente eterna de aventuras para toda la familia con un enorme potencial (y éxito) de sus productos derivados.

Spielberg les dio cómo hacer estas películas, pivotarlas sobre gigantescas secuencias de acción que se podían extender durante minutos y minutos sin que importara el avance más convencional en el argumento, porque la emoción del público por lo que ocurre en pantalla es tan intensa que apaga la necesidad de un alimento más cerebral.

Uniendo las dos piezas, y tardó sus décadas en hacerlo, Hollywood encontró el modelo. Y lleva sobrexplotándolo desde entonces. Irónicamente, los propios Lucas y Spielberg han profetizado que la perversión de ese cine nuevo que ellos crearon llevará a la implosión de la industria. Pero con marcas tan fuertes como Marvel, Pixar o ‘Star Wars’ dominando la taquilla, esta crónica de una muerte anunciada se prolonga y prolonga.

La era de ‘Los Soprano’ se adelanta

Hay otro elemento más que sumar a la reflexión. Son los dos gráficos que usted, lector, puede encontrarse bajo estas líneas. Superpóngalos mentalmente. Verá que lo que ha ocurrido desde aproximadamente 1958 es un declive radical del público que visita una sala de cine. Y, en paralelo, el precio no ha dejado de crecer. Pero esa subida de precio ha estado anclada, precisamente, en el blockbuster.

Se le cobra una pasta al espectador porque se le promete que cuando se siente va a vivir un espectáculo grandioso. Un concepto parecido al de una feria de pueblo o la atracción de un parque de atracciones. De hecho la propia palabra blockbuster hace referencia a la pirotecnia, al artificio: significa bomba capaz de volar por los aires una manzana de edificios. Algo totalmente en sintonía con un Michael Bay.

Pues bien, de la lectura de este gráfico podemos extraer la conclusión de que Hollywood ha sostenido la taquilla a base de incrementar el precio. E incrementó el precio gracias a encontrar una fórmula proporcionada por Lucas y Spielberg. Pero estamos en el universo en que Spielberg no existe. Ergo, una parte de la fórmula falta de primeras. Y, cómo hemos ido viendo a lo largo de la reflexión, falta también la otra, porque Lucas, sin el contrapeso del bueno de Steven, se volvió al lado oscuro del artisteo y renunció a las aventuras de ‘Star Wars’.

Entonces, ¿qué pasa en estos años 80? Otro nombre esencial: Michael Cimino, fallecido hace un par de años, a la sombra de Hollywood. Este italoamericano puso el punto y final a la promesa de los 70, con otros desastres como la ‘Corazonada’ de Coppola hincando más profundo los clavos del ataúd. Cimino filmó una obra maestra descomunal que hundió ella sola un estudio de Hollywood, United Artists. El nombre de esa obra magna, ahora considerada una de las mejores películas de la historia del cine, ‘La puerta del cielo’.

El desastre fue tan colosal que toda esa confianza ciega en el Nuevo Hollywood, el de Coppola, Scorsese, Cimino, De Palma y cía, el de los italoamericanos, se fue al garete. Y Hollywood saltó, desesperado, a las manos de Lucas y de Spielberg. Pero en nuestro mundo eso no puede suceder. Entonces, ¿qué pasaría? Pues creo que sin mucho riesgo puedo atreverme a profetizar que la situación presente, la de la edad dorada de la televisión y el consumo personalizado por streaming, se aceleraría mucho; por una cuestión de acuciante necesidad, de mera supervivencia.

Es absurdo pensar que el público iba a variar su tendencia de asistencia al cine, que ha permanecido en la planicie durante décadas y desde luego lo que no sería viable es subir los precios hasta las cotas actuales sin un modelo de blockbuster sólido que vender. El merchandising tampoco habría arrancado, por lo que lo lógico es que un par de grandes majors, las que encadenaran tres o cuatro fracasos, se vieran obligadas a cerrar.

Pero, ¿y los artistas? Huida y refugio en lo televisivo. Y, por tanto, aceleración exponencial de la calidad en la pequeña pantalla. La nueva generación de cineastas estaría de alguna manera traumatizada e inspirada por el Nuevo Hollywood. Aprenderían la lección de no fiarlo todo a las butacas y apostarían por la estrategia multipantalla. Y esto llevaría a un desarrollo tecnológico que posibilitaría el nacimiento del primer Netflix tal vez con una década de antelación.

Pero hay otros efectos más concretos que la ausencia de Spielberg marca en individualidades clave para el futuro de la industria. La mayor es la huella indeleble que dejó ‘Encuentros en la tercera fase’ en James Cameron. En una charla inolvidable para cualquier amante del cine —en la que J.J. Abrams y James Cameron entrevistan a Steven Spielberg en el prestigioso auditorio del sindicato de directores, la DGA—, Cameron confiesa que si no llega a ser por Spielberg su filmografía hubiera tomado un rumbo radicalmente distinto.

Parafraseo: “Yo estaba fascinado por ‘2001. Una odisea en el espacio’. Pero cuando vi ‘Encuentros en la tercera fase’ descubrí qué le faltaba a Kubrick y aprendí la lección más importante para mis películas. La humanidad”. Pero no solo hablamos de Cameron. Hablamos de M. Night Shyamalan, los hermanos Wachowski, Guillermo Del Toro, Bryan Singer, Brad Bird… Una lista inagotable de cineastas cuyo máximo referente es Steven Spielberg, hasta el punto de haber moldeado cómo usan la cámara y los temas que tratan.

Y no solo cineastas. De Naughty Dog a LucasArts, muchos de los estudios clave en la constitución del videojuego como arte citan a Spielberg en lo más alto de sus influencias; IGN llegó a publicar un artículo sobre la evidente influencia del cineasta sobre el género mayoritario, el shooter bélico FPS, el de los ‘Call of Duty’ y cía. Un Spielberg que, por cierto, estaba tan obsesionado con los videojuegos que durante el rodaje de ‘E.T.’ se llevaba un generador portátil para poder jugar a una recreativa.

¿Quién sería entonces el referente para esos soñadores? Pues creo que sin duda Stanley Kubrick. Y por ende, Ridley Scott. Y por ende, David Fincher. Aunque, como apunta Max Winter en un brillante artículo de Indie Wire, ¿Cómo influyó Steven Spielberg en David Fincher?, habría que ver si el genio de Fincher encontraría el mismo motivo para florecer sin su antítesis. Es más, como bien indica dicho artículo, las técnicas de Fincher parecen un retruécano tenebroso sobre los recursos más usados por Spielberg.

Spielberg y Fincher son las dos caras de la misma moneda, maestría absoluta de la puesta en escena para explorar, en todas sus facetas, la cara luminosa (Spielberg) y la sombría (Fincher) de la humanidad. Son talentos parejos en su concepción cinematográfica, pero que sacan conclusiones divergentes sobre si el vaso está medio lleno o medio vacío.

Se trata, a la postre, de algo tan simple como la diferencia entre un pesimista y un optimista. Y de hecho Fincher se ha convertido en una suerte de adalid para el modelo streaming, que está ganando todo el rango adulto de apasionados por el audiovisual, mientras que el cine, para pesar del propio Spielberg, se ha quedado monolíticamente estancado en el Spielberg de las maravillas ochenteras.

Volvemos atrás en el DeLorean; antes de que Biff nos robe el almanaque; antes de impedir que el 18 de diciembre de 1946, en el seno de un hogar asquenazi, Steven Allan Spielberg exhalara su primer aliento al mundo. ‘Ready Player One’ está a la vuelta de la esquina, el “Tócala otra vez, Sam” (o, más bien, “Tócala una última vez, Steven”), del mayor mago de la historia del cine, del Dickens del séptimo arte, del cineasta total cuya influencia, como hemos visto en nuestro trasiego por una dimensión paralela sin su huella, no hubiera dejado nada igual.

Pero Spielberg, aunque suene paradójico, es mucho más que su legado. Es un deleite en sí mismo aislado de la repercusión que genera. Es una demostración de constante riesgo artístico y capacidad de reinvención. Y, no menos importante, es una lección de humildad y humanidad sin afectación alguna por parte del Shakespeare de nuestro tiempo. En la entrevista a dos bandas con Cameron y Abrams Spielberg responde a dos preguntas que resumen su grandeza, una que probablemente dejaría ecos, aunque lo borráramos, en todos los posibles universos. Parafraseo ambas.

Spielberg, sobre el guion y los guionistas: “Creo que nuestra misión como cineasta es hacer un poquito mejor lo que está en el libreto. Pero no nos engañemos, Jim [en referencia a James Cameron]. En el mejor de los casos, lo podemos hacer un poquito mejor. Si no tenemos un guion excelente, no valemos de gran cosa [rabiosa ovación del público]”.

Pregunta. ¿Qué es lo que más te enorgullece en la vida?

Inmensa sonrisa de Spielberg. Inmediatamente, sin la sombra de una duda: “Mis hijos. Mi familia.”

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La noticia Qué hubiera pasado con los 80 (y más allá) si Steven Spielberg no hubiera nacido fue publicada originalmente en Xataka por Ángel Luis Sucasas .

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